Archives Echanges de Regards

Artiste photographe, Rose Lecompte a d'abord étudié aux Beaux Arts de Lyon puis l 'histoire de l 'art à la Sorbonne. Professeure d'histoire de l 'art à l 'Université Catholique de l 'Ouest à Angers, elle cultive parallèlement sa passion : la photographie d'art.

" L' impermanence du monde, sa vulnérabilité, me poussent de manière quasi obsessionnel le à fixer le temps pour le retenir. La photographie m'apparaît comme un besoin vital, un équilibre personnel, une quête de sens."

La réalité est détournée par le biais de cadrages particuliers, de focales précises, d'angles de vue, de perspectives, du noir et blanc, du contre jour. Jouant sur les effets d'ombres et les rais de lumière, des reflets sur l'eau, le verre, les rideaux, Rose s'amuse à nous perdre pour mieux nous entraîner dans sa propre perception.

Quelquefois, un élément tiers vient s'interposer entre l’œil et le sujet et donne ainsi une autre apparence, due aux interférences – réfraction, diffraction – de la lumière. La photo-graphie devient subjective, là où l'artiste parvient à capturer l'impalpable. Rose opère par séries de clichés non retouchés. Le tirage sur papier ou métal se fait avec un soin méticuleux : mat ou brillant, épaisseurs différentes, grains plus ou moins gros. Il en résulte une qualité irréprochable des œuvres, lesquelles sont régulièrement primées et publiées dans les revues spécialisées.

« Mes clichés, souvent proches d'un rendu pictural, deviennent mon identité. »

Artiste céramiste, diplômée des métiers d'art de Sèvres en 2016, Jul iette Levasseur, née en 1994, a installé son Atelier Entropy à Nantes (sa vi l le natale) puis à La Roche-sur-Yon où elle enseigne aussi à l 'école d'art au Cyel.

" La céramique a donné vie à mes histoires qui ramènent avec sensibilité à nos émotions et à ce qu'il est essentiel de conserver : le rêve. Je crée des personnages qui peuplent tout un monde onirique en souhaitant aussi mettre en avant le lien fort que nous avons au vivant".

Juliette façonne, modèle et sculpte le grès. Grès blanc et lisse qui rappelle le marbre blanc des idoles des Îles Cyclades : grès noir chamotté qui donne une texture plus rugueuse, un grain plus grossier voulu par l'artiste. La palette de couleurs s'est diversifiée avec d'autres grès (certains locaux). Le tout cuit à haute température.

Certaines céramiques sont rehaussées d'émail ou d'éléments décoratifs – Plumes, tissus ou végétaux. D'autres sont mises en scène et évoluent dans un décor. De son imagination sortent des figurines et tout un bestiaire fantasmagorique venus tout droit de "la Guerre des Mondes" d'H.G. Wells, de "Dark Crystal" ou de l'univers des films d'animation d'Hayao Miyazaki. La poésie du "Petit Prince" n'est pas loin et l'artiste a beaucoup d'empathie pour ses personnages – tout son petit monde lunaire – qu'elle souhaite partager avec nous, spectateurs comblés. Pachamama, Tuya, les Sowkörs, Renard... De la poésie pure.

« On ne voit bien qu'avec le cœur. L'essentiel est invisible pour les yeux » Antoine de Saint-Exupéry

Artiste plasticienne née à Paris, Claire Alary étudie aux Beaux Arts d'Angers,puis à l 'université
Rennes II où el le obtient un DEA d'Arts Plastiques. El le enseigne à l ’École des Beaux Arts d'Angers et
instal le son atel ier à Savennières. El le y dessine, peint, grave, sculpte, pétrit, coule le bronze, crée
des instal lations et réal ise même des vitraux ! Et des expositions. !
" – Tout peut prendre sens dans mon travail dans la mesure où cela sert mon besoin de créer des formes
reconnues et reconnaissables... Mes derniers travaux tournent autour des rapports entre le corps et le
paysage. Le corps est une métaphore de mon intérieur, ma chambre, mon jardin...".
Parmi tous les médiums utilisés dans son œuvre pluridisciplinaire, les toiles retiennent l'attention
par l'expressivité qui s'en dégage : traitement de la pâte picturale, la matière épaisse, en couches très
colorées, puis grattée, gravée à la pointe, ou bien encore dessinée en surimpression. Il y a tout à la fois
une urgence et un geste brut. Pas de fioritures. Claire va à l'essentiel. Cela nous émeut et titille notre
imaginaire.

Chacune de ses toiles semblent violemment spontanées dirait A. Malraux. On peut rattacher l'art de
Claire Alary au Néo-expressionnisme et tous ces courants – Figuration Libre, Bad Painting – qui ont su
réagir à l'abstraction et le minimalisme à la mode. Les mânes de Jean Fautrier, Georg Baselitz et
Jean Dubuffet rôdent dans l'atelier de l'artiste.
« – Ce qui m'importe, ce sont avant tout les expériences et les rencontres ».

Artiste peintre et photographe, vendéenne d'origine, Christine Poupeau vit et travaille à son atelier de Landeronde depuis presque 20 ans et elle dispense son savoir-faire à l 'Atelier Imprimatur aux Sables d'Olonne. Elle enseigne aussi à l ’École d'Art, au Cyel, à La Roche-sur-Yon. Elle est également professeure-animatrice à l ’École d'Art de Croc'Arts à Aubigny. Son activité débordante ne l 'empêche nullement de préparer des expositions, tant en France qu'à l 'étranger.

" – J'ai traversé le monde de la mode, puis le besoin d'exprimer au-delà de la forme, de sonder ce qui se trame derrière les apparences m'a amené sur le chemin solitaire de la peinture et de la photographie. De l'hyperréalisme à l'abstraction, mes images sont la surface visible d'un monde sensible ".

Son thème de prédilection ? LA FEMME : femme dans tous ses états, une femme en mouvement, dans la trivialité du quotidien, emportée par le tourbillon de la vie.

Une maîtrise technique hors pair, que ce soit le dessin, les pastels secs, l'huile et le graphite sur toile ou la Tempera, technique héritée des maîtres flamands du quattrocento (XVe siècle) que Christine affectionne particulièrement. Le mouvement – brusque – suggéré par un flou (pas voulu par l'artiste comme une photo), lequel va procurer une vibration semblant parvenir à capturer et figer l'instant évanescent. « Un œuvre pluriel, qui pourtant se fait l'expression d'un univers profondément cohérent avec, pour centre de gravitation, le féminin ».

En clôture de : " 2024 – La place des femmes dans la société " initiée par la municipalité d'Aubigny-Les Clouzeaux, Christine Poupeau a été sollicitée pour réaliser une grande toile qu'elle a intitulée : "Sororité".

Artiste plasticienne franco-américaine née en 2000, Em termine ses études aux Beaux-arts de Nantes, après son diplôme (félicitations du jury) en Graphisme Éditorial, à Grenoble. El le va publier un roman graphique, Ganymède – œuvre de science fiction et vulgarisation – projet intégré au très sérieux Laboratoire de Planétologie et Géosciences en lien avec la mission spatiale « Juice » de l 'ESA.

" – Je suis passionnée par la recherche qui allie l'art et la science, ce qui me conduit à de nombreux projets à travers une approche pluridisciplinaire et expérimentale où je tends à un métissage entre le design éditorial et l'art plastique, ainsi que divers champs scientifiques".

Du dessin noir et blanc sur papier à la plaque de métal déformée, meulée, triturée pour faire ressortir les nuances de gris, brûlée pour bleuir, ou les traces de roui l le par le temps, l 'artiste s'approprie tout matériau susceptible, sous ses doigts, de devenir une œuvre d'art.

Si ses centres d'intérêts semblent très variés , Em De Korsak apprécie tout autant le Land Art de Robert Smithson que les installations d'Anne Imhof ou les performances de Gina Pane. Sergio Toppi, scénariste et dessinateur de B.D. l'a inspirée pour son graphisme. Au XIXe, les illustrateurs-vulgarisateurs scientifiques avaient pour nom Gustave Doré, Camille Flam-marion, Edouard Riou (romans de Jules Verne chez Hetzel) et excellaient en xylogravure. Le monde d'Em : surprenant, passionnant : à encourager.

Croc'ARTS a choisi d'innover et se tourne résolument vers la jeunesse. Ainsi, lors d'expos « Echanges de Regards », nous sélectionnerons un(e) artiste professionnel(le) des années 2000 ( (qu'il ou elle sorte des Beaux Arts ou autres).

Artiste peintre ayant étudié aux Beaux-Arts à Paris (1971 – 1975), el le expose en France et à l 'étranger dès 1978. Isabel le vit et travai l le à Saint Saint-Nazaire (44) depuis 1996. Son thème de prédilection est la série. Peindre des séries qui pourraient être déclinées à l ' infini.

" – Je ne regarde pas les dessins au fur et à mesure que je les peint ; je les enchaîne. Je pour-rais décider de développer maintenant une série jusqu'à ma mort ; je pense que je ne me répéterais pas.".

Bien sûr l'idée de série fait penser au Nymphéas qui ont obsédé Claude Monet pen-dant 30 ans ou les 32 sérigraphies de boîtes de soupe Campbell qu'Andy Warhol a présentées sur une toile en 1962. Ou bien Jeff Koons avec ses " Balloon Dog ". Depuis les Frères Limbourg au XVe siècle jusqu'aux artistes contemporains en passant par Arcimboldo, Cézanne et autres, la série a toujours été un moyen d'expression prisé des plasticien(ne)s.

Isabelle Legrand a choisi de nous présenter une série de 24 silhouettes féminines – autoportraits sur des panneaux d'égales dimensions. 24 instantanés photographiques pris en plongée. Le sujet principal devient l'ombre projetée : évidée, elle apparaît en blanc comme le négatif d'une photo. Les fonds, faits en aplats de couleurs vives ne semblent pas toujours pouvoir retenir la silhouette qui s'enfuit hors du cadre. L'impression d'ensemble est saisissante et nous interpelle car elle instille le vertige dans notre regard.

Thème et variations : une œuvre profonde et colorée.

Peintre figurative née en 1967, Nathal ie Lehec a instal lé son atel ier dans le vignoble nantais de La
Chapel le-Heul in. Après ses études d'arts graphiques el le travai l lera pendant 20 ans dans le mi l ieu de
la Presse et de " packaging ". En 2013, el le franchit le pas et devient artiste peintre à plein temps.
Pour notre plus grand bonheur.
"C'est par le portrait que je développe mon univers pictural, thème inépuisable aux
multiples facettes et
représentations. "A travers mes
toiles figuratives, l'Humain est le fil conducteur et le regard un révélateur ".
Et l'Humain, Nathalie l'aime profondément. Qu'ils soient en pied ou en gros plan, ses personnages
transpirent le bonheur de vivre et les regards vifs et brillants, les yeux pleins d'étincelles – qu'ils soient
proches ou anonymes rencontrés lors de voyages en Himalaya. Ses portraits serrés (en très gros plans)
sont particulièrement expressifs.

C'est la qualité du dessin qui nous interpelle et l'acuité du regard. C'est l'ossature du tableau que
Nathalie peint ensuite à l'acrylique en larges touches de couleurs vives et contrastées. Avec des nuances
plus douces, elle maîtrise aussi parfaitement l'aquarelle.
Dans le choix de ses thèmes favoris, la condition féminine paraît très prégnante. On retrouve,
parmi sa production, les portraits de plusieurs femmes qui ont joué un rôle important dans la conquête de
nouveaux droits (Rosa Parks, Germaine Tillon...).

« – Ma peinture est un mélange id'instinct et de

travail ».

Artiste du l ivre et plasticienne originaire des environs de Bordeaux, après des études de Lettres et
Anglais à l 'Université Montaigne, Pascale Chauvin entreprend une formation professionnel le en
gravure et impression à l ’École Estienne à Paris. Exerçant à La Roche-sur-Yon, el le y poursuit ses
études (édition, estampe, photographie) à l ’École d'Art au CYEL. El le crée son propre atel ier yonnais
d'édition, et d' impression : l 'Atelier de Verre.
Sa technique d'estampe favorite ? Le monotype, pièce unique et originale (contrairement à
l'estampe multiple) dont la technique consiste en un dessin sans gravure avec des encres sur plaque de
zinc ou cuivre, qui permet d'imprimer une image unique tout en obtenant des effets spécifiques après le
passage sous une presse.
« - Quand je lève les yeux de mon travail dans le silence de l'atelier, je les vois, petits et grands animaux
qui vaquent à leurs occupations dans mon jardin de ville ou à l'intérieur des murs ; et eux aussi me voient,
toujours vigilants, toujours un œil sur moi, prêts à détaler, à s'envoler, à se terrer. » In
" ICU, je te vois "- linogravure-2016.

De l’univers poétique de l'artiste se dégage un sentiment de plénitude calme qui nous plonge dans
la contemplation de notre environnement immédiat jusqu'à la profondeur vertigineuse d'un ciel de nuit
claire.

Profiter du silence de Debussy pour rêver et méditer.

* Pascale est intervenue dans les 4 écoles d'Aubigny-Les Clouzeaux à raison de 8 heures/école. Elle est également l'autrice de
la biographie d'Eva Demarelatrous, artiste invitée à la Semaine Artistique 2023.

Jeune artiste plasticienne native d'Auxerre, diplômée des Beaux-Arts de Nantes  en 2024, Clotilde est à la recherche d'une captation de vibrations imperceptibles  et fugaces qu'elle traduit dans ses tableaux dont la plupart paraissent abstraits au premier regard.. .

"Je souhaite laisser parler les transparences qui sculptent les motifs, faire apparaître les lumières et, à travers ces recherches textuelles, figer des atmosphères changeantes et mouvantes".

  Cet esprit de transformation qu'elle explore dans ses tableaux reflète son intérêt pour le vivant, notamment les fleurs. Ainsi, chaque œuvre devient un moyen de figer des métamorphoses, nourrie par une passion profonde pour la matière.

Son médium préféré est la peinture à l'huile sur toile qu'elle choisit elle même ( lin, coton, acrylique), suivant la texture qu'elle veut réaliser et qu'elle tend sur ses propres châssis.

Férue d'histoire de l'art, Clotilde est passionnée par Van Gogh et tous les courants des XXe et XXIe siècles, toujours à la recherche de la " texture flottante "... Et de citer Georgia O' Keeffe (pour les fleurs), David Hockney (Splash et les Piscines), et Issy Wood, jeune artiste américaine. On ajoutera Whistler, Monet et les impressionnistes (pour la lumière). Que du beau monde !

  Une belle œuvre exigeante en devenir. A encourager !

Artiste peintre d'origine chilienne née en 1971, elle a étudié aux Beaux Arts de Santiago et obtenu une maîtrise et un master en restauration d'Art Précolombien. Après plusieurs années passées au Centre National de Conservation et Restauration de Santiago, elle s'installe en France en 2002 – Lyon, Paris puis Nantes en 2012 où elle pose ses valises.
"Je travaille à partir de documents cartographiques historiques afin de rendre visible l'évolution urbaine. La carte est un point de départ pour la création, la rêverie et l'expression colorée "
Entre le réel et l'imaginaire. Peut-on parler d'abstraction ? La ville est bien réelle et fait sens pour ses habitants. Myriam détourne donc le matériau de base, savamment choisi, pour en faire tout un jeu de couleurs. " – J'aime créer des espaces colorés qui révèlent des formes, puis des harmonies chromatiques ".
Son travail se fait en 2 étapes. Tout d'abord rechercher sur internet – notamment la base de données de la B.N.F. " Gallica ", ou dans les bibliothèques, le plan qu'elle va devoir adapter en taille pour devenir la base de travail de la deuxième étape : la peinture acrylique.
Il y a donc tout un processus qui fait partie de sa démarche artistique. C'est de l'intrication de l'histoire, la trace de l'homme, la recherche chromatique... que naît l'oeuvre d'art.
Et de citer volontiers Yves Klein : " Pour moi, les couleurs sont des êtres vivants, des individus très évolués qui s'intègrent à nous, comme à tout ".

Puissions nous, bientôt, avoir notre propre affiche.

Artiste peintre autodidacte, roubaisien d'origine, Ludovic Mercher, né en 1970, s'est installé en Vendée – Saint Vincent sur Graon – où il y vit et travaille depuis onze ans, loin du tumulte de la grande Cité.
"Autant influencé par l'architecture que la nature, c'est l'équilibre que je cherche dans la toile, l'espace vital qu'il nous faut trouver, entre matière et esprit".
Au premier coup d’œil, la géométrie structure la toile. Des axes sur trois plans, des perspectives à plusieurs points de fuite nous projettent au pied d'architectures grandioses et diaphanes. Pour autant, il ne s'agit pas d'abstraction géométrique, la perspective (illusion d'optique) étant omniprésente.
La palette de Ludovic est volontairement dépouillée. Noir, orange, marron, bleu ciel et un rouge magnifique (le rouge dont les temples Shinto sont peints) viennent ponctuer la toile. Peinture acrylique avec ajouts de collages - fragments de journaux japonais, fibre de papier coréen, plaques de métal rouillées – on devine quelques éléments figuratifs (oiseaux, arbustes, le Mont Fuji) qu'il peint comme des citations d'estampes.
A y regarder de plus près, par delà les tracés rectilignes, apparaissent des masses informes aux couleurs plus organiques – de la rouille, des bruns jaunâtres – sortes de nuages ou vortex de matière venant troubler le bel ordonnancement d'un habitat humain. C'est que la nature a ses droits que l'homme doit respecter et non pas l'inverse. La Nature, entité déifiée comme dans la religion Shintoïste du Japon que l'artiste parvient à traduire par la transparence de ses œuvres qui génère un sentiment d'apaisement et de plénitude.

Profitons du calme intérieur pour admirer ces œuvres.

Photographe professionnelle depuis 7 ans, autodidacte passionnée de photo depuis l'enfance, elle a son studio photo à St Aubin-la-Plaine. Des clichés-souvenirs des colonies de vacances réalisés avec un appareil jetable il y a 30 ans, à la démarche actuelle de pratiquer l'URBEX*, un long cheminement s'est opéré et une passion est née.
"La photographie est pour moi une façon de transmettre des émotions et de partager ma vision du monde à travers ma sensibilité. L’exploration urbaine m’a permis d’aller plus loin dans la transmission des émotions. L’URBEX, c’est un voyage dans le temps, dans les souvenirs et cela fait de ma passion pour la photographie une véritable aventure ".
*URBEX : Pratique consistant à visiter des lieux construits et abandonnés par l'homme. (wiki)
Au néologisme d'Urbexeur on préférera la poésie du « Prince des monte-en-l'air » ou du « gentleman cambrioleur » . Nul doute que G. Brassens eût apprécié qu'on lui déro-bât seulement quelques photos ; Arsène Lupin, quant à lui, a peut-être croisé le chemin de Laurence. Sait-on jamais ? Ce sentiment de transgression en pénétrant l'intimité d'un lieu interdit doit rajouter au plaisir de la photo-témoin d'une histoire.
Laurence Mary travaille avec du matériel numérique en s'imposant une règle : ne pas retoucher l'épreuve. Elle préfère multiplier les shoots pour choisir le bon cadrage, la bonne exposition, attendre le bon éclairage : mais pas de maquillage ni de mise en scène. Approcher l’œil du maître en la personne de Diane Dufraisy-Couraud ou Romain Veillon.

"Je respire la poussière du temps, et j'essaie d'immortaliser ce qu'il en reste."

Artiste plasticienne, née en 1994 à São Paulo (Brésil), c'est armée d'une solide formation universitaire (lettres – Arts Plastiques) qu'elle vient à Paris (aux Arts Déco), dans la cadre d'Erasmus, puis Nantes en 2021(master aux Beaux- Arts) .
"Mon travail englobe la gravure, la sérigraphie, la photographie et la peinture. Un point commun à toute ma production est l'intérêt pour les arts dits mineurs, tels que les arts décoratifs, et pour les références constantes que les artistes se font les uns aux autres tout au long de l'histoire de l'Art".
Et les références ne manquent pas pour Laura qui revendique des influences tant littéraires que plastiques. En témoigne l’œuvre en 7 parties présentée ici et qui fait explicitement référence à un célèbre tableau de Velásquez : les fileuses (las Hilanderas - 1657).
Les 7 panneaux sont présentés à la manière d'une intrigue policière. Chaque toile apporte un indice supplémentaire. On peut penser au jeu du Cluedo ! Les indices sont confortés par les motifs (parfois très suggestifs) des lés de tapisserie et certains de ces motifs reproduits à l'infini font penser aux " fleurs " de Georgia O'Keeffe. La couleur rose, volontairement grasse et vive, nous oriente vers un crime passionnel à moins que...
Laura Zernik nous entraîne dans son univers psychanalytique. Ses médias ? Des toiles suspendues, grand format (3m x 1,2m) peintes en technique mixte, surtout acrylique. On peut penser à un décor de théâtre et Velásquez lui même avait imaginé son intrigue au deuxième plan du tableau, comme une scène en arrière plan.

Travail récompensé par le diplôme des Beaux-Arts avec Félicitations

Né en1946 à Paris, il mène de front son métier – chirurgien dentiste, et sa passion – la peinture figurative. A vingt ans, il exposait déjà au Salon des Indépendants. Retiré en Vendée, il poursuit inlassablement son œuvre et obtient des récompenses prestigieuses (médaille de bronze au Salon des Artistes Français).
" La peinture est comme respirer un besoin vital ; et ce ne sont pas les yeux qui voient le monde mais le cœur ".
Les toits de Paris : Sur les pas d'Utrillo qui aurait quitté Montmartre, en compagnie d'Albert Marquet (en moins optimiste) et Bernard Buffet (en moins désespéré), Jean Michel Yon nous donne une œuvre originale où le dessin apparaît d'une précision chirurgicale.
Une riche palette nous montre les tons froids – gris bleutés – des toits en zinc et cuivre, ou des verrières au verre opaque et en parfaite harmonie avec les façades plus colorées, plus chaudes, comme les souches de cheminée en argile rouge, jusqu'aux fenêtres souvent vides et aveugles, diffusant parfois une lumière blafarde.
On pense au réalisme d'Edward Hopper. Autre point commun : la ville est vide de ses habitants ; plus que le réalisme, J.M. Yon peint une recomposition de souvenirs liés à des sentiments ressentis dans sa jeunesse.
Il émane de ses tableaux une douceur nostalgique comparable à un rêve sans bruit, un joli film muet, suranné, à jamais gravé dans notre mémoire.
Sa technique ? L'huile sur toile – coton, polyester – ou de lin, sur fond noir.

« Une chasse à la beauté urbaine ».

Artiste plasticienne, diplômée de l'école Arts Appliqués de Bordeaux, de Design de Produit aux Beaux Arts et d'Art-Thérapie à PROFAC, Florence vit et travaille à Soubise, sur les bords de la Charente.

"J'aime les villes qui ressemblent à des labyrinthes , où les gens se perdent avant de se retrouver...Où ça grouille comme un marché aux puces, avec des rues si petites qu'on ne peut tenir qu'a deux".

Ses ateliers sont un capharnaüm, sa maison une œuvre en devenir ; à l'image des villes qu'elle invente, tant à la palette graphique qu'à la sculpture, en passant par les collages et diverses techniques mixtes sur toile.

La maison n'est que l'enveloppe ultime de l'humain ; son abri dans la cité. Mais l'enveloppe charnelle est aussi le premier rempart aux agressions extérieures. Le corps devient lui même une architecture. La force de l'homme est de construire toujours plus haut ; d'où des villages perchés sur des pitons rocheux comme en Cappadoce, sur des totems. La tour de Babel. On approche le divin.

Le monde onirique de Florence Malcombe est traduit par une artiste aux multiples talents. Elle qui voudrait approcher l'authenticité des artistes de l'art brut, elle fait montre d'une maîtrise technique confondante – jusqu'aux villages vus de dessus qui font penser aux constructions improbables de M.C. Escher.

Un univers poétique à découvrir de porte à porte

Peintre et sculptrice, artiste plasticienne, Ninon, née à La Roche-sur-Yon en 2000 a étudié aux Beaux-Arts (ESAD-TALM) le Mans. Reçue en 2023 à son Diplôme National Supérieur d'Expression Plastique avec les félicitations, elle vient confronter son talent auprès des collègues expérimentés.
"Les volumes en trois dimensions, bas-reliefs et toiles sur châssis offrent un ensemble particulièrement cohérent et rassurant autour des artefacts qui peuplent nos chambres, nos salons, nos cuisines et nos salles de bain." - Jean Bonichon, professeur au Mans -
L'évocation des "ready-Made" de Marcel Duchamp au début du XXe siècle, et le Andy Warhol de la boite de soupe, évidemment, certaines séries de Manon Madoré y font référence mais c'est tellement loin dans le temps. On peut penser, bien plus près de nous, au Nouveau Réalisme – Arman, Christo et plus encore Daniel Spoerri (grand-père spirituel de Manon!)
Ses outils, sa technique ? Peinture acrylique, papier, papier mâché, tissus. Peinture hyperréaliste. Plusieurs séries en cours :"Plongée", " Boites à chaussures" où la mise en abyme (intérieur-extérieur) est intéressante," Faire tapisserie", "Fantômes", "Toiles", " Se fondre dans le décor" où tous les objets utilisés sont pétrifiés dans du papier mâché.

Un Univers étonnant et passionnant

Croc'ARTS a choisi d'innover et se tourne résolument vers la Jeunesse.
Ainsi, lors d'expos "Echanges de Regards", nous sélectionnerons une ou
un jeune artiste professionnel des années 2000. (qu'il sorte des BeauxArts ou autres). Le Hasard fait que nous présentons cette année deux
artistes lauréates – Ninon Madoré et Laura Rolim Dias Zernik.

Peintre figuratif né en 1976, Stéphane Bourdeau a installé son atelier dans le charmant village d'artistes de Guéméné-Penfao (44). Et depuis une vingtaine d'années, il peint et dépeint ses foules d'habitants dans leurs cités qui plongent leurs regards impavides dans le nôtre.
"Je suis autodidacte... Déjà, c'était mon passe-temps en cours et la prof d'espagnol nous faisait travailler sur des photos de Picasso, Dali, Gauguin... J'ai découvert Guernica puis je l'ai vu au Musée du Prado. Guernica, en vrai, ça déchire! (sic)".
En premier lieu ce qui caractérise l'Art Singulier* d'ESSEBÉ, c'est une profusion de personnages et une explosion de couleurs. La multitude chez Jean Dubuffet, la couleur chez Gaston Chaissac : pas mal comme parenté.
Inspiré par Picasso (l’œil du minotaure), l'artiste nous propose une vision absurde du monde au moyen d'une peinture acrylique figurative et colorée avec des personnages bien marqués au contour noir.
Peinture dans laquelle Robert Combas et ses acolytes de la « Figuration Libre » se reconnaîtraient avec , leurs copains du Bad Painting : Keith Haring, Jean-Michel Basquiat. Que du beau monde !

"J'essaie de progresser, putain que c'est dur !"

*l'art singulier : sans formation préalable spécifique ; un art parfois déroutant mais toujours profondément humain. Un art à la marge qui amène les gens à échanger.

Artiste peintre autodidacte, il naît et réside à Parthenay (Deux Sèvres).À 13 ans il entame des études pour devenir peintre en bâtiment ! Dans les années 1975, il découvre la peinture sur toile puis étudie la peinture sur verre *. À 45 ans, un soucis de santé l'oblige à abandonner son métier premier et il doit franchir le pas en 1998 et vivre enfin de son art .
"J'ai commencé à copier des tableaux de grands maîtres avec la technique du quadrillage. Puis je me suis mis à créer mes propres tableaux. D'une écriture très naïve au départ, j'ai eu envie de débrider tout ça en y mettant une touche d'humour et de dérision".
*La peinture sur (sous) verre est une spécificité des peintres naïfs de Croatie, particulièrement l'école de Hlebine et son maître Ivan Generalić, lequel fustigeait une vision élitiste de l'art. L'art est pour le peuple qu'on représente sur les tableaux.
C' est ainsi qu'on peut comprendre la peinture de Jean Delêtre. Les petits personnages qu'il croque dans des attitudes loufoques, incongrues, ridicules mais irrésistibles, c'est le peuple. C'est Nous. Égratignés dans nos attitudes, gentiment chahutés car l'auteur est foncièrement gentil avec ses gnomes.
Ces mondes clos surpeuplés font penser aux maîtres flamands de la Renaissance que sont Jérôme Bosch et Pieter Brughel l'Ancien. Sans chimères ni diableries mais avec des positions étonnantes. D'ailleurs, Jean a réalisé plusieurs triptyques à l'instar du Jardin des Délices. Jean Delêtre, alias Micromégas peint ses petits êtres terriens avec une parfaite maîtrise de la peinture à l'huile sur toile.

Vus de Saturne, ne sommes nous pas semblables ?

Photographe autodidacte de La Rochelle, sa grande sensibilité transparaît dans ses clichés. Stéphane Robin utilise la photo numérique en noir et blanc et toutes les nuances de gris. "Après plusieurs années à peindre la matière, un besoin « d'humain » s'est fait ressentir. Une série de rencontres, des inconnus souvent, venus partager ces moments de silence, d'abandon... s'exprimer autrement, m'offrir un regard, une posture, une attitude".
Ici, le portraitiste humaniste s'exprime d'une autre manière, travaille en plans rapprochés voire en gros plans ; le cadrage en plongée, en oblique, en contreplongée.
Étymologie du mot PHOTOGRAPHIE : Peindre avec la lumière. Art à part entière, le 8ème art a toute sa place parmi les plasticiens.

Peintre autodidacte, influencée par les maîtres de la peinture naïve primitive.
"J'aime peindre le monde tel que je voudrais qu'il soit. Avec une certaine part d'idéalisme".
Tout est dit. Peignant dans un style naïf psychédélique, un chatoiement de couleurs, ses compositions font penser à de magnifiques illustrations de livres pour enfants.
A y regarder de plus près, on découvre chez elle une forte exigence et un désir d'absolu : composition parfaite, fermeté du trait, soin du détail précis et raffinement dans le choix des couleurs.
Les personnages ne semblent pas se préoccuper de nous, visiteurs d'un instant. Tout au plus leurs expressions un peu étonnées, souvent nostalgiques, témoignent d'un monde qui n'est pas encore, comme en songe. De la poésie pure.

Odile Kayser est plasticienne, il suffit de visiter son atelier pour comprendre qu’elle est une artiste dotée d’une grande sensibilité et d’une solide formation artistique. Là où nous ne voyons que rebut, l'artiste, elle, voit une forme en devenir, un oiseau peut-être ou un animal improbable.
Ses matériaux : Papier (mâché ou pas), objets trouvés détournés, laisse de mer ou bois de la garrigue provençale et bien sûr peinture, pastel gras et collage…
Ses moyens d’expression : presque tous. Sculpture avec assemblages, peinture, gravure ou installations.

Né en 1948, en Irak, Ghassan Salman Faidi a étudié à l'Académie des Beaux-arts de Bagdad et poursuivi ses études en France aux Beaux-arts à Paris. Peintre figuratif français installé en Vendée, à Angles depuis 1996, il dessine, il peint, avec une maîtrise technique confondante, la douleur de l'exil. Son sujet de prédilection : la Femme.
"La femme est sous-estimée dans les sociétés orientales, c'est pourtant le rêve, le plaisir, la beauté. Ce sont les hommes qui bloquent ces sociétés". Quelle résonance aujourd'hui !
L'humain, chez Ghassan se décline donc au féminin. La douleur se lit dans les regards mais n'apparaît pas sur les visages inclinés. Parfois, un pâle sourire... Le tout, nimbé d'une lumière bleutée, diffractée par les vitraux.
L'humain se conjugue aussi quelquefois au masculin. Parfois amant, parfois père, souvent au second plan. Ghassan mélange les cultures du Moyen-Orient et de l'Europe avec dextérité et raffinement.

Les Ouvrages de Dame rassemblent depuis 1997 les séries de peintures de Laurence Drapeau.
Celles-ci portent un regard distancié, séduisant ou ironique sur les enveloppes corporelles.
Dans ces dernières séries, on trouve personnages, motifs, espaces, paysages, images, le tout associé en duos fragmentés et remontés, sans autre souci de cohérence que celui de leur rencontre.
On peut lire ces peintures comme des collages peints. Le vêtement, prétexte au motif, y tient une place importante.

Peintre autodidacte, Samuel Della Schiava s'abreuve à toutes les sources inspiratrices qui transcendent son monde onirique.
"J'apprécie de pouvoir laisser au spectateur une interprétation libre de ce qu'il voit. J'aime ainsi autant emprunter au symbolisme qu'au surréalisme des moyens pour stimuler en lui son imagination".
Un dessin très pur, une mise en page rigoureuse et une palette acrylique aux tons chauds semblent l'orienter vers l'univers de la Bande Dessinée Fantastique.
"Je conçois l'art comme le point de passage de notre intérieur vers l'extérieur, libérant nos émotions, nos forces, nos sentiments tout en les communiquant à l'autre au travers de l’œuvre d'art matérielle".

Diplômée de l'école supérieure des Beaux-Arts de Nantes, Camille Bleu-Valentin considère ses œuvres comme les documents sensibles d'une situation d'urgence produites pendant ou après un conflit.
"Mon travail explore la force du paradoxe, la contradiction, la tension, l'ambivalence, et sonde l'état d'urgence actuel du monde... Je réfléchis sur la densité du présent, sur le pouvoir de l'imaginaire, du visionnaire et de l'hallucinatoire".
Avec ses installations, Camille ouvre une brèche dans l'Art Conventionnel.

Installé à Saint Pierre d'Oléron depuis 1980, Daniel Bergagna peint et expose sans relâche : Paris, Portugal, Suède, Australie. "Mon travail se situe dans la veine surréaliste. Je déplace les objets de leur environnement habituel".
Entre le réel et l'imaginaire. Daniel Bergagna utilise son art comme une voie d'exploration de son inconscient. Ses thèmes de prédilection ? Les chats, les belles inconnues, les architectures inutiles, les papillons, les barques et les masques.

Formée auprès d'Henri Murail (1932-2012) avant de devenir son assistante, Patricia Arnaud pétrit ses chamottes et ses grès, qui pourront devenir bronze, tout en douceur. Ces mains parlent de femmes assumant la rondeur de leur corps. Le modelé, la souplesse de l'attitude, tout confère à une rassurante sérénité.
Patricia Arnaud a fait sienne la maxime de son professeur Henri Murail : « Pas de formes maigres, même les creux doivent montrer de la plénitude ».

Couleurs vives et acidulées, saynètes improbables, femmes déterminées et tout sourire... Nicole Avezard nous entraîne avec une bonne humeur communicative dans son univers fantaisiste. Une philosophie toute simple préside à son travail : « Je me fais plaisir avant tout ». Ces femmes rondes et dynamiques, respirent le bonheur : malicieuses, joyeuses et rigolotes, elles s’égayent de tout et se jouent d’un rien, dans un monde sans complexe, et qui tourne rond.

Sculpter l’air, cette ambition d’Alexandre Calder, Mireille Savary l’a repris à son compte Ses Chevaux de la Liberté s’inscrivent comme une œuvre de lumière dans l’air du jour. Le fil brillant qui donne forme à leur existence vive leur était, hier, entrave, toute chargée d’électricité, dans le pré qui les confinait. Tordre le fil, l’entrelacer, le guider vers la beauté en retrouvant le volume du bel animal.

C’est dans l’albâtre que s’épanouissent les volumes harmonieux que portait en elle Laurence Maindron. Formes abstraites étirées vers le ciel comme une prière, rondeurs, matrices originelles épanouies. Les sculptures de Laurence Maindron c’est avant tout une quête personnelle, patiente et méthodique de la sérénité.

Enfant, adossé à un arbre, je regardais dans le ciel bleu les nuages dessiner des formes, c’était un moment privilégié, mon terrain de jeu préféré.
Aujourd’hui, adulte, dans ma chapelle de peinture, au fil du temps, de mes envies et souvenirs aussi, ma vie se dessine sur la toile, mon terrain de JE préféré.

S’attaquer aux grandes œuvres, les actualiser ou en détourner le propos initial, tous les artistes ont ressenti ce besoin de se confronter aux Maîtres. Avec Guy, chaque œuvre initiale est détournée à la fois dans la forme et dans l’interprétation du sujet : détournement parfois provocateur ou iconoclaste et toujours malicieux.

<span>Fabrice Métais a un art pictural dense et criant. Esprit libre et indocile, il est de la lignée de ceux qui n’appartiennent à personne et qui se forment seuls. Ses toiles sont baignées de teintes vives, la lumière est chaude, la touche est énergique, le trait acéré. L’intensité expressive est entièrement véhiculée par la couleur : nos sens sont mis à rude épreuve et notre émoi exulte.</span>

Christian Sicault formé à Ravenne en 1976 par un maître mosaïste se consacre à sa propre création artistique sous forme de tableaux et de sculptures. Ses tableaux sont un voyage au coeur du minéral, une rencontre entre le granit et les particules colorées de la mosaïque, jeu de texture et de nuances.

Un coup de vent, la jupe vole, deux fillettes esquissent un pas de danse, une tribu de bambins s’abritent du vent sur la plage, de son trait précis, Chantal saisit le mouvement, rend l’instant fugace durablement présent et fait d’un geste ordinaire comme une promesse d’éternité.

Portraits et personnages atypiques : figuratif informel ou imaginaire. La non-conformité (Exagération, disproportion, distorsion) aux standards académiques est recherchée pour aboutir si possible à suggérer l’interrogation des observants.

Le portrait comme étude de l'âme : le visage est un livre ouvert qui retrace le vécu quel qu'il soit, joies et traumatismes divers, à fleur de peau. La pureté des visages d'enfants fascine l’artiste, regards pleins de vie, expressions espiègles, cheveux en bataille ou sagement ordonnés, ils sont la beauté sincère à l'état brut.

Première exposition publique de ce peintre très discret. Paysages et natures mortes mêlant différentes expressions artistiques (figuratif, abstrait, graphique, pictural...). Une liberté de style que l’enseignant espère transmettre à ses élèves du collège Piobetta.

Ses sculptures ont pour titre "Fous-rires". Elles parle d'un monde où le fou-rire est contagieux, où les émotions se partagent. Un monde d'harmonie.

Peintre et illustratrice, thèmes de l'enfance, de la nature et des voyages.

Théâtres d'objet, sculptures en bois, métal, carton, terre, corde, fibres ... Paskal Tirmant nous offre des sculptures qui incitent au rêve et au voyage. Des voyages qui tiennent au creux de la main ...

Trompe-l'oeil. Ne vous penchez pas aux fenêtres de Tiffen !

Spécialiste du Pop'Art pleinement, radicalement critique, il propose sa collection "puzzle", symbole de l'éclatement de notre société.

Diplômé des Beaux-Arts de Paris, Xavier de Maisonneuve cultive l'ambiguïté des images. Il cherche à interpréter l'essence du monde contemporain en jouant avec le sens des images.

... envahit tous les supports (portes de placard ou boîtes de sardine millésimées) de ses baigneuses des années 30 et de ses garçonnes aux grands yeux rêveurs.

... réalise des dessins au crayon et mine de plomb avec une minutie sans égal et une analyse de la lumière qui donne à ses œuvres charme et profondeur.

Tout en restant dans l'univers Pop'Art et l'hyperréalisme, Enzed Enix explore aussi la 3ème dimension.

est un faux collagiste. De loin, on jurerait qu’étiquettes et photos sont venues se poser dans un grand vent. De près, on découvre la minutieuse technique qui reproduit logos, typos, photos et images à profusion.

jeune roumaine héritière d’une famille de peintres naïfs, déroule les quatre saisons d'une vie paisible des paysans des Carpates : jeux d’enfants, ramassage des pommes et du foin, fêtes de village. Elle expose dans toute l’Europe.

peint des personnages mélancoliques qui déambulent dans des paysages incertains, des jours embrumés illuminés par un soleil pâle.

occupera la salle de sculpture avec des œuvres en pierres calcaires et en marbre. Les courbes des corps humain sont souvent prises comme support de travail.

est un spécialiste du trompe-l’œil et de l’hyperréalisme. Il excelle à rendre les transparences de l’eau, du verre et même du plastique.

renoue avec l’art optique à la Vasarely des années 60. Ses tableaux sont traités de manière graphique créant mouvement et ondulations à l’œil du spectateur.

magnifie les intérieurs en jouant des ombres et de la lumière.

calligraphe, explore et joue avec les signes d’écriture au gré de ses inspirations. La ligne directrice est la recherche d’harmonie.

donne vie à des scènes de rue. Son couteau grince sur la toile, pour accentuer le relief, la brillance et peindre les perspectives.

elle se qualifie elle-même de « bestioleuse », avec du papier mâché, elle crée des animaux improbables tout en rondeurs et aux couleurs chatoyantes.

Jeune musicologue, spécialiste du jazz contemporain, Amélie Vogel a dû réorienter son activité créatrice vers la peinture, sa deuxième passion. Son art-action s'inscrit dans les difficultés que les hommes entretiennent avec leur environnement. Sa série Míxities dénonce l'urbanisation anarchique du territoire où l’on entasse en masse les nouveaux parias. Dans une vision futuriste elle imagine l'exportation extraterrestre des favelas et townships et leur errance dans l'espace. Cependant couleurs riches et lignes harmonieuses sont comme un contrepoint heureux et salutaire à ce constat désespéré. L'art est réponse salvatrice.

Roman Pronaiev, aujourd'hui Orvaltais, a reçu les enseignements académiques des écoles d'art de sa Russie natale. Ce long, complexe et complet apprentissage lui confère une technique picturale exceptionnelle. L'art de Roman est un art formel. Nulle référence immédiate au réel mais une harmonie minutieuse de surfaces et de volumes, des dégradés lisses d'une précision stupéfiante et, si I'on cherche bien, surgissent des formes dadaïstes comme celles nées des recherches de Jean Arp. Avec ses séries, Roman entreprend de peindre la durée, une durée onirique, celle du temps universel.

Amour et humour telles sont les deux composantes majeures de l'œuvre de Corinne Pleindoux. Peindre, pour Corinne, c'est transmettre de l'amour à ceux qui sont aptes à le recevoir. Ses femmes fines et légères aux couleurs douces, aux tons pastel, dans des postures et cadres familiers nous offrent une vision apaisée des rapports humains. Ses terres cuites renforcent d'un trait d'humour le chant d'amour qui émane des acryliques et confèrent à l'ensemble de l'œuvre un infini sentiment de liberté heureuse.

L'ambition de Bernard Nicolas est de construire une œuvre accessible à tous, un art démocratique qui ne réserve pas ses concepts à une minorité élue. Nulle démagogie dans cette démarche car les œuvres de Bernard sont complexes dans l'association des matières, métal écrasé, reformé et peint, terre cuite et raku, association de toile encadrée, effet de bric à brac porteur de sens souligné par des références explicites aux grandes œuvres qui balisent l'histoire de l'art. Le tout forme une œuvre puissante, expressionniste, forte comme le fut, il y a plus de quatre siècles, celle du Caravage.

Une passion unique, douce et dévorante à la fois, et qu'elle exprime sur tous les supports; l'univers de Stéphane Neuville est peuplé de tout le monde animal qui l'a éveillée enfant à la vie unanime. Si les chevaux dominent son bestiaire c'est surtout parce qu'ils imposent la complexité de leurs lignes. Les œuvres de Stéphane affirment le primat du dessin mais sans rien négliger de la couleur. Dans l’ensemble retenu, le pastel brut donne une touche quasi expressionniste et nouvelle à ces images familières.

«Je ne veux pas que ma maison soit murée de toutes parts, ni mes fenêtres bouchées, mais qu'y circule librement la brise que m'apportent les cultures du monde. ››. Nicole Morin a fait sienne cette volonté universaliste du Mahatma Gandhi. Avec ses Métissages d'ici ou d'aiIIeurs, Nicole poursuit cette quête essentielle de ce qui unit les civilisations dans leur conception de l'utile et du beau. L'art textile qu'elle sublime dans ses œuvres est un chant du monde, un chant d'ici et d'ailleurs, d'hier et d'aujourd'hui.

Une boite. Qu'y a-t-il à l'intérieur d'une boite quand elle est scellée par Daniel Le Saux ? On y voit le théâtre de la mer ou des poissons-oiseaux font la nique à des matelots éberlués. On y voit les maisons des pêcheurs envahis par leurs proies triomphantes. On y voit tout un univers poétique sublimé par les écailles colorées détachées des coquilles de noix qui triomphent dans les rêves des holocaustes océaniques.

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Si de nombreux prix sont venus récompenser les œuvres abstraites de Martine Le Bidan, elle n'en cultive pas moins le jardin secret de ses Têtes à Toto déjantées. Expressives, tour à tour douces ou inquiétantes, ces figures, toutes nées de son regard d'enfant, nous entraînent dans un monde peuplé des formes énigmatiques de Miro, des tags de Basquiat et des savantes déstructurations de Picasso, le tout dans un éblouissement de couleur qui rattache ces Têtes à l'importante production non figurative de Martine.

« Habiter au sein du bois, se lover entre ses fibres, polir son grain, aviver ses tensions, explorer ses arcanes, parer ses lisières, offrir son émotion ››. Jean Charles Ferrand exprime ainsi la passion qui l'unit au support de ses œuvres. Et dans la matière aimée il peut sublimer ses désirs, ses phantasmes. Formes abstraites utérines ou phalliques, corps d'homme suggérant la puissance, corps du désir, femmes resplendissantes, sous la main de Jean-Charles, sous ses outils, la transmutation s'opère et la matière abattue enfin sculptée redevient vie pour des siècles et des siècles.

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D'origine italienne, Michel Bona emprunte aux artistes du quattrocento la maîtrise du dessin, l'importance de la ligne et la sujétion harmonieuse des élans colorés. Riche des enseignements de Vinci, il traduit dans ses œuvres la double nature physique et métaphysique de ses modèles. Mais qu'il en fasse des démons ou des anges, c'est avec ses femmes que Michel Bona atteint l'excellence, leur beauté est envoûtante comme le désir à assouvir ou la prière à psalmodier.

Frontalier de la Belgique venu s’installer à Orvault, Jean Michel Van der Camere, construit une œuvre méthodique, cohérente qui rappelle l’étrange rigueur des situations surréalistes peintes par Delvaux. Tout est signe dans ses toiles où s’imposent d’énigmatiques figures féminines : un collage discret ouvre une porte, un hexagramme, comme une signature, vient enrichir le sens du message. L’œuvre de Jean Michel, si elle nécessite un effort chez le spectateur, le récompense aussi par l’harmonie subtile qui s’en dégage.

Le livre a toujours exercé sur Natali une véritable fascination. Image de l’âme humaine, qui ouvert ou fermé, peut livrer ses messages ou taire ses secrets. Fascination aussi pour le papier, ce matériau-peau qu’elle retravaille ou qu’elle enfante.  De ces recherches naissent des œuvres surprenantes, livres-objets, tableaux, sculptures-papier ou livres d’artiste. Tout un univers fragile et puissant qui nous relie, avec elle, à la nature-mère.

NASCA est le nom d’un désert du Pérou. Cette bretonne de Vitré, a choisi ce nom comme signature car, comme les signes tracés au sol par les Nascas et  qui ne peuvent se voir que du ciel, la lecture de  ses tableaux implique du recul, l’ouverture aux langages oubliés ou inconnus et l’envie de transcender les aspirations de la vie. Nasca a une seule ambition : transmettre par ses œuvres des éclats de joie. Le monde est triste, les hommes ont besoin de couleurs, de lignes sécurisantes. Elle dit d’elle-même : « Je suis une créatrice d’expression artistique dans l’émotionnel, le sentiment, la libération. »

Bretonne d’origine, Charlotte Madézo rêve aujourd’hui d’ailleurs, sur les quais de Trentemoult.  Sa peinture, singulière, nous offre des situations fantasmagoriques. L’imagination de cette ingénieure agronome est sans limite, c’est Lewis Carroll qui tient son pinceau et qui nous entraine avec fantaisie dans les situations les plus cocasses. Le message sur nos façons de vivre est présent mais tout en douceur, baigné par la douce harmonie des couleurs et  lignes. 

Michel Henocq, angevin d’adoption, revendique avec force le devoir pour l’artiste de témoigner des émotions et des colères que le spectacle dramatique des désordres du monde fait naitre en lui. Après une carrière dans la haute administration, il se consacre totalement à son art, ni abstrait, ni conceptuel mais qui se veut un retour aux sources primitives des hantises et des interdits. L’œuvre appartient toute entière au néo-expressionnisme qui, aujourd’hui, redonne à l’art toute sa pertinence sociale.

Résumer l’activité de Valérie Gavaud est une gageure. Viticultrice par son héritage bourguignon, elle se confronte à d’autres formes d’art dans son village d’artistes de St Liguaire (79). La sculpture initiale, aujourd’hui oubliée, a fait place à des recherches en art thérapie, à l’écriture de romans graphiques, à la peinture de paysages inquiétants et à des séries de pastels qui, par leur noirceur expressionniste et l’étrangeté des personnages, nous renvoient aux Caprices de Goya. Une œuvre sombre qui éclaire les âmes contemporaines.

Artiste nieulais, décédé en 2004 à l’âge de 57 ans, Dominique Ferré a laissé une œuvre picturale, importante, aux inspirations multiples tout au long de son parcours artistique. Thème religieux ou incident de la vie locale, quelle qu’en soit l’origine, l’œuvre est traitée avec une précieuse minutie. Sa maitrise le relie aux peintres hollandais du XVIIème siècle. Mais par son ironie, parfois mordante, il participe de la causticité séculaire de l’esprit français. Son œuvre est à redécouvrir pour en apprécier toute la beauté, la richesse et la portée.

Ferronnier d’art d’origine, Jacques Billon, libéré des obligations professionnelles, se consacre désormais, dans son atelier de Barbechat, à la sublimation de l’acier, ce métal qui le fascine depuis sa jeunesse. Tour à tour, après des recherches méthodiques, les feuilles d’acier s’épanouissent en oiseaux paradisiaques ou magnifient des corps féminins. Comme le peintre qu’il sait être aussi, il fait émerger du métal, par une technique de patine très personnelle, d’infinies nuances colorées.

Il a fallu attendre les temps de liberté pour que s’épanouissent, au regard de tous, les formes et couleurs qui sommeillaient en elle depuis l’enfance. Anita peint. On peut y reconnaître des paysages, des personnages, des situations mais il ne faut pas se tromper, l’essentiel de son œuvre est ailleurs, dans la recherche mélodique d’une harmonie colorée. Héritière de Monet, elle poursuit ses recherches en séries de variations, tentant à son tour de capter la vérité lumineuse de l’instant.

« Ni peintre, ni sculpteur, ni photographe, ni performeur, ni installateur et pourtant un peu de tout ça… Paradoxal pour un artiste qui dit ne faire qu’une seule chose à la fois. » Ainsi se présente Jean Claude Artaud, personnage étonnant, sorti de la ferme de ses parents pour découvrir sur le continent américain toutes les ruptures de l’art contemporain. Ruptures qu’il applique à lui-même, tant sa production est diverse. Seule sa personnalité, passionnante, assure la cohérence intime de l’ensemble de ses productions.

Baignée, dès son enfance, dans l’univers maritime, Brigitte Sidaner, sur des bois en provenance de bateaux, rend hommage au travail des marins pécheurs bretons, compagnons de son père. Son art, vif et puissant, relève, plus que de l’art naïf, d’un expressionnisme joyeux.

Chantre de la Bretagne et de ses paysages, Yann Quéméneur nous offre une vision à la fois réelle et imaginaire de la terre de ses ancêtres. Son art, poétique et naïf, s’est enrichi, dans le traitement des lignes et des pans colorés, des techniques des maîtres japonais de l’estampe.

Manon Perrier est une jeune sculptrice de 27 ans qui traduit ses émotions, son ressenti sur la condition humaine dans la terre qu’elle travaille avec passion. Son engagement qui rappelle celui de Camille Claudel est total et lui vaut déjà la reconnaissance des spécialistes qui lui ont offert de fixer dans le bronze sa quête de la beauté expressive.

Vénézuélien vivant en France depuis plus de 40 ans, Alvaro Méjias, nous propose des oeuvres complexes, riches de symboles. Images conscientes et inconscientes se superposent dans une symphonie surréaliste latino-américaine harmonieusement colorée.

Se refusant à opter pour le figuratif ou pour l’abstrait, Jean Hondré poursuit ses recherches sur l’art comme producteur de sens. Ses séries de papiers, associés/dissociés, marouflés ou non sur toile, sont autant de réponses possibles à cette question fondamentale du rôle de l’art dans une société.

Longtemps modéliste pour les couturiers parisiens, à 70 ans, Marie Luce Ferreol se lance avec toute son énergie dans la peinture. Comme si elle devait rattraper le temps perdu, elle produit une oeuvre abondante et passionnante. Ses femmes, étonnamment belles, sont toujours inscrites dans un univers coloré, riche et expressif.

Admiratrice de Turner, Anne Dumesnil, installée à Pornic, enveloppe ses paysages réels ou imaginaires dans un système coloré nuancé ou puissant qui les transfigure. Ses oeuvres, souvent prolongements de voyages, incitent le spectateur à rêver, à inventer, pour son plus grand plaisir, ses propres vagabondages.

Jean-François Dolbeau poursuit inlassablement son oeuvre de dénonciation des fauteurs de mensonges qui ont l’ambition de gérer nos vies. En prélude à la grande exposition que lui consacrera le musée de La Roche sur Yon, il exposera une surprenante installation intitulée « mascarade », authentique introduction dans le cirque des bonimenteurs qui haranguent les foules.

L’oeuvre de Bernard Devisme est complexe et protéiforme. Diplômé des Beaux Arts de Paris en qualité de sculpteur, il poursuit parallèlement une oeuvre picturale faite de multiples expérimentations. Abstractions, recherches sur les coulures et recouvrements, dénonciations des horreurs de la guerre avec Les Charniers du Kosovo, les oeuvres de Bernard Devismes sont une sollicitation permanente pour le coeur et pour l’esprit.

Venue à la céramique après une expérience de peintre décoratrice en trompe l’oeil, Sandra Courlivant donne libre cours à sa passion pour les chevaux. En relation avec des céramistes de Mongolie, elle met en scène la vie et l’univers des cavaliers mongols dans des pièces fines, harmonieuses, sobrement colorées.

est avant tout un amoureux de la couleur. Ses toiles sont peintes puis lavées puis encore repeintes jusqu’à ce qu’émergent des masses colorées, des nus aux lignes pures.

Autodidacte angevin, Didier Marsault utilise les pieux d’ardoise qui étayaient jadis le vignoble local et les bois flottés par la Loire pour ériger, par son travail de mosaïste, des totems, liens puissants et colorés entre la terre et le ciel.

Œuvres complexes que celles de Sébastien Levigne qui emprunte pour partie son inspiration au Street’Art et pour une autre à la complexité de son univers antérieur de docteur en biochimie.

A la fois peintre et sculptrice, Isabelle de Joantho bouleverse les techniques d’expression et de représentation en les superposant dans ses œuvres. Le tableau figuratif ou abstrait se fait sculpture et se charge d’écrits poétiques.

Rochelaise d’adoption, Yagui Druid pratique, en autodidacte avertie, la gravure sur zinc. De sa Côte d’Ivoire natale, elle nous offre des images riches de symboles comme autant de messages qu’elle renforce par des écrits qu’elle nous invite à déchiffrer.

Installé en France où il s’est réfugié, Dilshad est un artiste kurde irakien. Il témoigne dans ses œuvres des heures terribles qu’il a vécues. Destructions, incendies, viols donnent à sa palette des couleurs tragiques et structurent en masses fulgurantes les lignes majeures de ses œuvres.

Ancien infirmier à l’hôpital Mazurelle de la Roche sur Yon, Christian Boussard réunit dans ses tableaux la précision des huiles flamandes et le caractère énigmatique des compositions surréalistes. Ses toiles ont la finesse et le souci du détail des toiles classiques des XVème et XVIème siècles.

Pharmacienne de formation mais aussi peintre et plasticienne, Corinne Baratelli nous propose une série de photos argentiques consacrées à la capture de la lumière par des masses de papier. Enroulements, déchirures, fragments dessinent en gris ou en sépia des harmonies abstraites.

Acteur, écrivain, poète et peintre anglais renommé, Edwin Apps poursuit ses recherches esthétiques et éthiques non loin des ruines de l’abbaye de Maillezais. Avec sa série « Lighten our darkness », il jette une lumière vive sur nos propres noirceurs.

est un jeune artiste arménien très prometteur. Peintre, céramiste et poète, ses dessins, pastels, huiles, acryliques ou encres de chine, font sonner la musique de ses origines lointaines (Arménie et Russie).

s’inspire, quant à lui, de l’art aborigène d’Australie comme il le dit lui-même : « En temps qu’occidental, je ne fais pas de "LA" peinture Aborigène, je ne peux que m'en inspirer au plus près, le plus fidèlement."

plasticienne reconnue au long parcours artistique a accepté de présenter quelques unes de ses grandes toiles expressionnistes sur le corps.

explique son travail de la façon suivante : « Je recherche la pureté par la simplification géométrique des formes. J’utilise la ligne, le carré pour créer, déformer le réel par l’imagination pour faire ressortir l’essentiel : l’émotion. »

va nous faire partager sa vision de l’univers maritime : des gros plans, de la matière ou comment voir la beauté là où on l’attend pas.

est un artiste plasticien irakien dont l’activité aborde divers domaines: peinture, gravure, sculpture, céramique, cliché photographique pour films d'animation ou  écriture. Il présentera un ensemble de grandes céramiques consacrées aux femmes de son pays natal.

Je suis une artiste autodidacte. Je peins sur des toiles en lin, en utilisant acryliques et techniques mixtes.

Je peins pour m’exprimer. J’extrais des idées, des images, des pensées qui m’envahissent et je les projette sur la toile.

J’ai un besoin vital de m’exprimer ainsi. J’y trouve mon équilibre dans un monde qui me questionne, qui me dépasse, dans lequel je cherche mes repères (temps, espace...).

J’aime les choses qui ont vécu, qui ont des souvenirs à raconter, les surfaces patinées sur lesquelles le temps a laissé son empreinte. Elles sont comme des racines qui me rendent solide et me stabilisent dans ma croissance vers l’extérieur.

J’aime aussi beaucoup les mots. Ils illustrent, racontent, renforcent les représentations des idées que je développe. J’ai besoin de la communion qui s’établit entre la toile et moi, du lien qui s’opère grâce au couteau et au pinceau. Cette communion est un repli sur moi-même qui me permet de mieux me déployer ensuite.

En peignant, j’alimente mon âme. J’ajoute du sens à ma vie.

Ma peinture est un langage, elle parle d'elle même

, c'est une façon de communiquer et de parler en couleur. Elle raconte des scènes de vie, d'amour ou interroge comme la peinture préhistorique, une peinture originelle et animale un besoin fondamental de commu- niquer en image et en couleur. Il y a beaucoup d'intros- pection et d'interrogation. Dans cet univers de mélange de peinture, encre et fusain, les corps nus ne peuvent pas mentir, ils sont différents, mais fascinants, c'est l'éloge de la différence malgré la peur, l'angoisse ou la colère. J'aime aller là où d'autres ont ouvert des portes, j'explore et découvre sans cesse un nouvel univers. Si je dois la qualifier, je dirais que c'est une peinture instinctive qui m'oblige à voyager à l'intérieur de mon univers.

Comment expliquer avec des mots la complexité de la nature humaine ?
Seuls pour moi, le dessin et la couleur peuvent exprimer un état aussi fort que la difficulté à communiquer. C'est un langage qui ne doit pas laisser indifférent, il faut s'y perdre et s'obliger à se regarder tel que l'on est, ma peinture est un miroir...

Walter Bausenwein est un artiste en art textile de haut niveau qui a trouvé une manière de s’exprimer très caractéristique. Il est né en 1946 et vit à Estenfeld- Mühlhausen en Allemagne.

De 1990 à 2000, en tant que maître de conférence à l’université de Würzburg, il a transmit ses connaissances et son savoir faire. Le tissu n’est pas pour Walter Bausenwein un support plus ou moins caché, il conserve pénétré de la couleur sa texture propre. Dans ses oeuvres en technique batik les couleurs intensives forment des univers contrastés, harmonieux et esthétiques qui invitent à l’association.

Les tableaux fragiles, conçus à partir de cocons du ver à soie vides constituent un groupe d’œuvres très spécifique. Placés de façon très stricte ces éléments fragiles et fascinants rappellent la soie qui depuis toujours est liée à la mort et la résurrection. Les cocons sont quelque chose d’abandonné et de retrouvé comme les sachets de thé que Walter Bausenwein a découverts pour ses créations. Blancs, non utilisés ou bien de toutes les couleurs naturelles que donnent les infusions de plantes, enfermés dans le standard de la norme industrielle ils se transforment en motifs.

Batik ou cocons, finalement le lien caractéristique entre les différents groupes d’oeuvres de Walter Bausenwein est qu’il ne se contente pas de la surface.

Propos et mal à propos au sujet des Bétazoudoux.
C'est un petit peuple d'affranchis obstinés, débrouillards, prêt à en découdre, au regard affûté sur le monde, une bande de défroqués hirsutes armés jusqu'aux dents ou un cortège élégant de Geishas qui glisse silencieusement dans la nuit blafarde, des couples infernaux qui valsent joyeusement au vent mauvais ou une procession de saints aussi béatifiants que lénifiants, cependant ils ne se défilent pas, ne se dérobent pas, n'esquivent pas, quelquefois ils aiment accomplir un geste fort, s'extirper du temps avec panache, tancer vertement l'innocent aux idées pleines, mais ils peuvent sembler aussi dépenaillés, voire abattus, démunis face au vide d'une existence à meubler, ils peuvent raser les murs gratis, tenir le haut du pavé et le bas, exulter, vitupérer, pétiller, titiller, s'immiscer dans tout à chacun et creuser ainsi la tombe des illusions perdues et des vertes années, tour à tour impétueux ou débonnaires, lassé ou lascifs, excédés ou timorés, ils sont follement, furieusement, fatalement humains !

Alain Blanchemaison présente une série de pastels. Sa production est proche du surréalisme.
Sa palette de couleurs nous enchante avec une multitude de détails provenant de son subconscient.
"Des traits et des courbes jetés au gré de mon inconscient ; un dessin apparaît puis évolue. Par la suite, je l’exploite en fonction de mon ressenti. Il se métamorphose de nouveau pour aboutir à un résultat que je sais juste."